Crosswalk: Pat Andrea

Elora Weill-Engerer

Pat Andrea

 

L’opposition à toute hiérarchie artistique est un des éléments les plus palpitants de la peinture de Pat Andrea : ce travail est un mélange de références à l’histoire de l’art et à l’imagerie populaire. Très influencé par la bande dessinée, l’artiste, qui a notamment vendu des dessins à Hergé, rappelle que le verbe « illustrer » signifie étymologiquement « faire briller », impliquant une transformation valorisante de l’objet premier par l’action artistique. Cette attention à la narration par l’image demeure présente dans la pratique de Pat Andrea où se sent la prégnance des formes définies, du dessin et des contours qui servent un récit incroyable, souvent hybride et grotesque. Ici, l’extravagance ne s’oppose pas au réalisme : les compositions sont dynamiques, avec des lignes de force qui guident l’œil du spectateur à travers l’image. La peinture assume l’anecdote, c’est-à-dire l’inédit, qu’elle compose de manière précise et sans honte. Il en va, chez Pat Andrea, d’une transcription des énergies et de la psyché humaines de manière quasi scripturale. Cette question du rapport de l’illustration à l’écrit est dès lors particulièrement pertinente dans sa mise au ban des dichotomies classiques pour accéder à des phénomènes plus complexes : abstraction / figuration, réel / fiction, raison / imagination. Une bonne peinture n’est pas celle qui se situe - de manière un peu flottante et indécise - « entre » chaque pôle de ces opposés, mais plutôt celle qui surprend en les liant dans une image concrète. C’est précisément ce pont qui permet d’aller plus loin que le domaine du visible. Ce qui est frappant dans l’œuvre de Pat Andrea, c’est le cadre qui est factice et pointé comme tel par la peinture. D’une manière similaire, les repentirs, parfois, restent et sont mis en exergue. Il n’y a donc pas de saisie immédiate du réel, on ne l’appréhende que par le langage et la forme. Pourtant, la simplification et la stylisation des personnages n’empêchent pas leur grande expressivité et leur capacité d’évocation, concentrées dans les bouches, les sexes et les yeux. Ces mannequins confirment l’intention de l’artiste : établir un lien entre l’absurde et le réel. L’humour tient ainsi une place essentielle dans ce travail ; il est une façon de mettre en exergue l’instant prégnant, le moment décisif, et de contrer les conventions connues. Résister à ce qui existe en découvrant les profondeurs de ce que nous acceptons par simple habitude : ces peintures extraordinaires s’amorcent dans l’ordinaire. Pour qu’il y ait peinture, selon Jacques Lacan, il faut que je sois regardé. En d’autres termes, il faut que le tableau existe dans mon œil et que moi je sois dans le tableau. Ça me regarde, aussi dans le sens où ça m’intéresse et me captive. Ce saisissement se traduit régulièrement par un triangle du désir dans la peinture de Pat Andrea : un personnage assiste à la scène dont il accuse la dimension incroyable, tandis qu’un autre fixe le spectateur, comme une invitation admonitrice à reproduire ce même état de surprise. L’instant unique qui est celui figuré dans le tableau, se traduit par des réceptivités multiples mais aussi par des rapports différents à la pesanteur, autres symptômes de la surprise que l’on peut notamment trouver dans ses expressions consacrées : tomber des nues, tomber de haut, être atterré. Les grosses têtes sont encastrées dans des corps longilignes et tronqués, jouant des déséquilibres mais aussi d’une perspective symbolique propre au Moyen-Âge, où la taille des figures est proportionnelle à leur valeur. De tout ce jeu formel et géométrique, il résulte une peinture située entre la toise de la science et le vertige de la folie. « Il délire, mais sa folie ne manque pas de méthode » fait dire Shakespeare à Polonius à propos d’Hamlet devenu fou.

1. Jacques Lacan, Les quatre concepts de la psychanalyse, Paris : Seuil, 1963, p.89. 

 

EN/

The opposition to any artistic hierarchy is one of the most exciting elements of Pat Andrea's painting: this work is a mixture of references to art history and popular imagery. Heavily influenced by comics, the artist, who notably sold drawings to Hergé, recalls that the verb "to illustrate" etymologically means "to make shine," implying a valorizing transformation of the primary object through artistic action. This attention to narrative through image remains present in Pat Andrea's practice, where one feels the prevalence of defined forms, drawing and contours that serve an incredible, often hybrid and grotesque narrative. Here, extravagance is not opposed to realism: the compositions are dynamic, with lines of force that guide the viewer's eye through the image. The painting assumes the anecdote, that is to say the unedited, which it composes in a precise and unashamed way. Pat Andrea's work is a transcription of human energies and psyche in an almost scriptural manner. This question of the relationship between illustration and writing is therefore particularly relevant in its banishment of classical dichotomies to access more complex phenomena: abstraction / figuration, reality / fiction, reason / imagination. A good painting is not the one that is situated - in a somewhat floating and indecisive way - "between" each pole of these opposites, but rather the one that surprises by linking them in a concrete image. It is precisely this bridge that allows one to go beyond the realm of the visible. What is striking in Pat Andrea's work is the frame that is fake and pointed as such by the painting. In a similar way, the repentances, at times, remain and are emphasized. There is thus no immediate seizure of the real, one apprehends it only by the language and the form. However, the simplification and the stylization of the characters do not prevent their great expressiveness and their capacity of evocation, concentrated in the mouths, the sexes and the eyes. These mannequins confirm the artist's intention: to establish a link between the absurd and the real. Humor thus holds an essential place in this work; it is a way of highlighting the pregnant moment, the decisive moment, and of countering the known conventions. To resist what exists by discovering the depths of what we accept by simple habit: these extraordinary paintings begin in the ordinary. For there to be painting, according to Jacques Lacan, "I must be looked at"[1]. In other words, the painting must exist in my eye and I must be in the painting. It looks at me, also in the sense that it interests me and captivates me. This captivation regularly translates into a triangle of desire in Pat Andrea's painting: one character attends the scene whose incredible dimension he accuses, while another stares at the viewer, as an admonitory invitation to reproduce this same state of surprise. The unique moment which is the one represented in the painting, is translated by multiple receptivities but also by different relationships to gravity, other symptoms of the surprise that we can notably find in its consecrated expressions: to fall from the sky, to fall from a height, to be appalled. The big heads are embedded in long and truncated bodies, playing with imbalances but also with a symbolic perspective specific to the Middle Ages, where the size of the figures is proportional to their value. From all this formal and geometrical game, it results a painting located between the height of science and the vertigo of madness. "He is delirious, but his madness does not lack method" says Shakespeare to Polonius about Hamlet gone mad.

[1]  Jacques Lacan, Les quatre concepts de la psychanalyse, Paris, Seuil, 1963, p.89.